XVII Circuito de Danza Contemporánea (2021)
OBRAS
"Around the world" - Brodas Bros
Idea original y coreografía: Brodas Bros
Dirección artística: Lluc Fruitós
Bailarines: Pol Fruitós, Lluc Fruitós, Berta Pons, Clara Pons y Marc Carrizo
Música: Clozee, Arturo Calvo y Lluc Fruitós
CURRICULUM
La compañía Brodas Bros nace en el año 2006 y, desde sus inicios, las dos parejas de hermanos y hermanas Pol y Lluc Fruitós y Berta y Clara Pons forman el núcleo que impulsa todos sus proyectos, que se caracterizan por una enorme versatilidad.
SINOPSIS
Un gran cuaderno de viajes inunda el escenario, en él, un recopilatorio de las vivencias y anécdotas vividas por los Brodas Bros en las giras internacionales que han hecho alrededor del mundo; Brasil, Palestina, San Francisco, Los Ángeles, Honduras, Japón y una gran influencia de China donde han estado 3 meses de gira en este último año.
Unos Brodas Bros muy futuristas y robóticos, pero también muy humanos y sensibles. Mapping, proyección interactiva, láser, danza aérea, vestuario de leds… Una combinación de danza, luz, tecnología y música sorprendente. El show más tecnológico de Brodas Bros jamás visto hasta ahora.
Estos recuerdos que se quedan en la memoria nos hacen ver que gracias a estas experiencias somos lo que somos ahora mismo, en el presente. Un presente que tenemos que vivir, un presente que los Brodas Bros quieren compartir con el público, ¡del que tú formas parte!
¡Báilate la vida!
"Basaide" - Bilaka
Coreografía: Eneko Gil
Composición: Paulo Olaz
Bailarines: Arthur Barat, Zibel Damestoy, Ioritz Galarraga, Iban Garat, Oihan Indart
Música: Paula Olaz & Julen Achiary
Duración: 30min
CURRICULUM
Bilaka es un colectivo de artistas residente en Bayona, que trabaja a la activación contemporánea la música y danza tradicionales del País Vasco.
Su trabajo se desarrolla alrededor de dos ejes fundamentales:
- La creación de espectáculos basándose en las nuevas lecturas de escrituras del patrimonio cultural vasco.
- La creación de actividades prácticas populares y bailes tradicionales para generar enlaces sociales y populares, alrededor de la cultura vasca.
Bilaka se ha convertido en los últimos años en una referencia cultural vasca de nuestros tiempos. De la mano de la Escena Nacional de Bayona, sus últimas creaciones han sido elegidas en la Red de Teatro de Euskadi (SAREA) y también en la de Navarra (RTN).
Además de sus creaciones, Bilaka lleva a cabo un importante trabajo para la sensibilización. De la mano de la Federación Vasca de Danza, el colectivo está ligado al desarrollo práctico de la danza y la música tradicional dirigido a las nuevas generaciones. Bilaka es también compañía residente de la plataforma Oldeak, ligado al Conservatorio Maurice Ravel de Bayona.
Verdadero embajador del País Vasco, Bilaka lleva consigo la imagen de una cultura viva, inscrita en el tiempo, pero fuerte en su identidad y abierta al mundo.
SINOPSIS
En las alturas de las montañas Soule, los pastores se entregan a una forma de canto en comunión con la naturaleza, con el mundo salvaje. Sin palabras, estos basaides traducen el vuelo del águila o las “CHOCARD” para expresar el asombro y la humildad del hombre frente a la inmensidad de la naturaleza.
Esta práctica ancestral constituye la materia prima de una nueva escritura que el coreógrafo Eneko Gil desarrolla a partir de las tradiciones de la danza souletine. Invita a los intérpretes a una introspección que parte de la tierra para llegar a las cumbres y cuestiona el poder del movimiento en su relación con lo íntimo, pero también con el otro, con la memoria, con el grupo y con el tiempo.
"Echoes" - Cía. Moveo
Idea, dirección y coreografía: Stéphane Lévy
Intérpretes: Agnès Jabbour, Neilor Moreno, Xavier Palomino, Siziana Reiser, Alma Steiner y Adrià Viñas
Vestuario: Joana Martí
Asesoramiento de voz: Mariantònia Salas
Espacio sonoro: Stéphane Lévy
Producción ejecutiva: Estel•la Muñiz
CURRICULUM
Desde 2005, la CIA MOVEO lleva a los escenarios internacionales un trabajo de creación que explora las posibilidades narrativas del cuerpo y la riqueza expresiva del movimiento. Lejos de la ilustración a través de gestos, y lejos también de una plasticidad abstracta del cuerpo separada de la teatralidad, la CIA MOVEO investiga y trabaja en el desarrollo de un lenguaje físico que busca constantemente la conexión entre diferentes disciplinas.
Ganadora de los Premios Dansacat 2020
SINOPSIS
Echoes se estrenó en el Festival d’Arts de Carrer de La Mercè 2020 y evoca de manera lúdica e irónica el deseo de individualidad y las conexiones/interdependencias que existen entre nosotros/as, desde un lenguaje propio profundamente físico que mezcla el teatro, la danza y la acrobacia, creando una experiencia colectiva.
¿De dónde nacen nuestras acciones, nuestros pensamientos, nuestros deseos? ¿Son propios o son ecos del mundo que nos rodea?
"Eh man hé, mecánica del alma" - Zero en conducta
Autoría: Zero en Conducta
Coreografía: José Antonio Puchades 'Putxa' y Julieta Gascón
Dirección Escénica: José Antonio Puchades 'Putxa' y Julieta Gascón.
Asistente de Dirección: David Maqueda
Intérpretes: Julieta Gascón, Jonathan Guisado, Elena Lalucat, Pino Steiner y 'Putxa'
CURRICULUM
Zero en conducta, teatre del moviment es un proyecto creado en el 2011 por José Antonio Puchades 'Putxa' con la intención de explorar el potencial expresivo de diferentes artes escénicas relacionadas con el movimiento. Así pues su investigación está centrada en la unión del Mimo corporal, la danza, los títeres y el teatro físico en general. Zero en Conducta también se dedica a la docencia centrada en la manipulación de objetos y cuerpo y a la producción audiovisual.
SINOPSIS
Antiguamente los Cheyenne llamaban Eh man hé! a las personas con varios espíritus. Esta es la historia de un Eh man hé y sus cinco espíritus. Bailarinxs, actores físicos y titiriterxs dan vida al cuerpo, las emociones y la imaginación de Nolan, nuestro protagonista, que en su condición de títere se pregunta ¿Qué es aquello que me mueve?
Nolan ignorando que es un muñeco, emprenderá un viaje tan incierto que para dar el primer paso tendrá que salir de su estado de inmovilidad. Estado que deprime al ser y lo convierte en cárcel y carcelero a la vez. Nadie dijo que sería fácil, pues sus ilusiones, sueños, esperanzas y sí, también sus dudas y miedos, serán los compañerxs que le llevarán por una búsqueda cuya respuesta depende del fervor con el que se camina.
"El cuento de Persépolis" - La Coja Dansa
Dirección y creación: Tatiana Clavel y Raúl León
Ayudante de dirección: Vir Roig
Interpretación y Coreografía: Paula Romero, Inka Romaní, Julia Zac
Dirección de movimiento: Santi de la Fuente
Escenografía: Raúl León
Iluminación: Diego Sánchez
Ilustración: Eixa Isa
Música: Damián Sánchez
Textos: Maribel Bayona
CURRICULUM
La Coja Dansa aparece en 2004 y desde entonces ha apostado siempre por un lenguaje tambaleante en el que la mayoría de las preguntas quedan en el aire.
Expertos en el uso del audiovisual como elemento dramatúrgico y en la creación de pequeños mundos llenos de matices, los de La Coja insisten en la necesidad de alejarse de modelos y de convenciones para atacar el escenario con sinceridad. Sus piezas buscan una forma que acoja la incertidumbre y lo hacen con resultados estéticos exquisitos de gran impacto emocional.
Tatiana Clavel y Santi de la Fuente dirigen esta compañía que ha visitado Portugal, Alemania, Egipto, Brasil, Francia y se ha recorrido toda España.
SINOPSIS
La historia comienza cuando dos niñas que viven en diferentes planetas encuentran el libro de Persépolis. Su lectura les generará preguntas sobre la situación de las mujeres en la historia. A partir de aquí ambas comenzarán un viaje por la historia, el espacio y el tiempo que las llevará a encontrarse en un punto en común. Con "El cuento de Persépolis" rendimos homenaje a las escritoras de ciencia ficción que con sus obras literarias han cuestionado desde los márgenes el estatus de las mujeres y sus constantes pérdidas de derechos.
La Coja Dansa en esta propuesta para público familiar cuida hasta el último detalle y ofrece un montaje de extraordinaria belleza con un ritmo adecuado para las ávidas miradas de la infancia. Para ello utilizan la confluencia entre el cómic, la danza, el videomapping y el cine en la escena, llegando a unos resultados sorprendentes.
"El diablo en la playa" - Matarile Teatro
Dirección: Ana Vallés
Interpretación: Celeste, Claudia Faci
Textos: Ana Vallés
Otros textos: Celeste, Claudia Faci
Coreografía: Celeste, Claudia Faci
Iluminación: Baltasar Patiño, Miguel Muñoz
Espacio escénico: Baltasar Patiño
Montaje musical: Baltasar Patiño
Vídeo proyección: Matarile
Vestuario: Matarile, Naftalina, Nuria González
Documentación proceso: Matarile
Fotografía: Rubén Vilanova
Edición y publicación de los textos: Ediciones Invasoras
CURRICULUM
Sus directores artísticos, Ana Vallés y Baltasar Patiño, fundan la compañía en el año 1986 en Compostela, donde también son promotores de espacios de exhibición para la creación contemporánea.
En 1993 crean el Teatro Galán, espacio destinado a la programación y difusión del teatro y la danza contemporáneos en Galicia.
En 1995 impulsan durante doce años el Festival Internacional de Danza En Pé de Pedra. Estos dos proyectos han sido el germen del teatro y la danza contemporáneos en Galicia, impulsando a numerosos coreógrafos/as emergentes.
En 2017 irrumpen con un proyecto insólito, creando un espacio in-permanente de exhibición y resistencia, la saLa Montiel, independiente de presupuestos y normativas oficiales.
Han puesto en escena más de 30 espectáculos con los que ha alcanzado más de veinte premios y menciones en distintos puntos de España y Europa.
SINOPSIS
En el principio fue el caos.
Después, con Celeste y Claudia, C y C, llegaron las tentaciones.
El (re)conocimiento de Celeste y la fantasía de Claudia.
Dice Roy Andersson que el plano general, el espacio que rodea a una persona, dice más de ella que su propio rostro.
Cómo consideraremos aquí el cuerpo, como primer plano que acompaña al rostro y conforma el prejuicio de un estereotipo? O como parte del plano general que define una forma de estar y habitar?
El diablo paseándose en bicicleta por las calles vacías, como ángel custodio sin cuerpo que acompañar.
El errante que se equivoca y el errante que vaga sin sentido.
Reunir a Claudia y a Celeste es como convocar al ángel y al demonio, sin intentar definir quién es qué, quién es quién, o en qué momento son intercambiables.
Ana Vallés
"En Picado" - AI DO PROJECT Elkartea
Dirección: Iker Arrue.
Asistente de dirección: Mar Rodriguez Valverde.
Dramaturgia y puesta en escena: Mar Rodriguez e iker Arrue.
Coreografía: AI DO PROJECT ensemble.
Música original: Idoia Hernández, HATXE.
Diseño de luces: Ivan Mar)n.
Diseño y realización de vestuario: Amada Dominguez.
Intérpretes: Myriam Perez, Aritz Lopez, Helena Wilhelmsson, Oihana Vesga, Mar Rodriguez, Idoia Hernández, Aitor Zabala.
CURRICULUM
De la necesidad de buscar un lenguaje coreográfico que pudiera adaptarse y dar respuesta a inquietudes específicas, y con la finalidad de plantear y mostrar al público estas reflexiones, en el año 2009 se creó la iniciativa AI DO PROJECT, dirigida por Iker Arrue, y que entre otros se desarrolla con el apoyo del Gobierno Vasco.
La palabra "aikido" está formada por tres caracteres kanji que hoy día se utilizan en la escritura japonesa:
ai – unidad, combinación, adecuar.
ki – espíritu, energía, estado animico, moral.
do – forma, camino.
SINOPSIS
Una creación para 5 bailarines que se explora el suicidio, la angustia y la promiscuidad.
La pieza toma como punto de partida varios relatos del siglo XIX, en los que se aborda la figura del doble, con el objetivo de invitar a un análisis (psiquiátrico, psicológico o filosófico) en torno a la búsqueda de la propia identidad en la sociedad contemporánea.
La pieza propone una mirada positiva frente a esas situaciones que a priori se nos presentan desfavorables: “Aceptar no es que deje de dolerte, es que dejes de pelear con la vida por cómo fueron las cosas. Y, si puedes, extraer un aprendizaje. Nunca volvemos a ser los mismos, pero existe la belleza colateral”.
"Errotzen" - Zinbulu kolektiboa
Idea: Zinbulu Kolektiboa
Dirección: creación colictiva
Dantzaris: Irune Uriarte Bikarregi, Sara Gil Sagredo y Naia Negredo
Producción: Zinbulu Kolektiboa
Duración: de 20 a 30 minutos
SINOPSIS
Errotzen es un viaje a través de las emociones, una invitación a alterar la mirada del espectador. Asimismo, este espectáculo pretende vestir de movimiento y colores nuestras ciudades, dotar de vida a las paredes vacías y poner en vertical nuestro escenario. Buscamos volver a la base, a ese lugar donde tiemblan los cuerpos, observan los ojos y se despiertan los sentidos. Esta pieza refleja el ritmo salvaje en el que vivimos actualmente, que nos vuelve esclavos de la prisa y de la tecnología.
Es hora de reflexionar y de relacionarnos de nuevo con todos nuestros sentidos, a través de la danza que se vive, se siente y se comparte.
Te invitamos a huir por un momento del mundo virtual.
"Hoy puede ser un gran día para liberar emociones, comunicarnos de nuevo, encontrarnos con la mirada. No dejemos que las pantallas jaqueen el tiempo del amor". Liliana González.
"Fugas" - Matxalen Bilbao
Dirección y Coreografía: Matxalen Bilbao
Intérpretes: Nekane Mendizabal, Miren Lizeaga, Aiala Echegaray, Natalia García, Nerea Martínez
Música. Chopin and Bach
Vestuario. Java Vintage
Residencias. La FuNdicIOn , Utopian, CDART
Producción. Infinita escena
Subvenciona. Gobierno Vasco Dpto. de Cultura
CURRICULUM
Durante estos 20 años como creadora Matxalen Bilbao ha perfilado un vocabulario personal, interesada en profundizar y desarrollar su propio pensamiento sigue insistiendo rigurosa y metódicamente en sus inquietudes, trazando un camino coherente donde se revela una querencia por el movimiento y su organización espacio-temporal como medio de expresión de ideas.
Es Diplomada en Educación Básica en la especialidad de Ciencias Humanas por la U.P.V. En 2007-2008 obtiene el Master en Artes y Ciencias del Espectáculo UPV. Desde 1998 compagina la labor de intérprete, coreógrafa con la de profesora de danza contemporánea.
En los últimos años dirige a jóvenes bailarines con los que ha creado 2 piezas para espacios urbanos donde indaga en el grupo. Abierta a la colaboración con otros creadores ha trabajado para distintas compañías en Euskadi y en el Estado.
Sus obras ofrecen al espectador fragilidad y fuerza, seguridad y vulnerabilidad, intimidad y osadía. Abstracción cargada de humanidad, un juego de lógicas y retos con los que ofrecer el acceso.
SINOPSIS
En FUGAS se enlazan figuras de organizaciones y composiciones escultóricas a través de la música de Chopin y Bach que sirven de disparadores creativos para construir una atmosfera atemporal donde las referencias clásicas se contrastan con las actuales, donde se contrasta la delicadeza de Chopin con la fuerza de Bach.
Un viaje emocionante y fugaz.
"GenEroa" - Kimua Dantza Kolektiboa
Autor(es): Kimua DK.
Coreógrafo(s): Kimua DK + Coreógrafos fuera del colectivo aún no especificado
Dirección de escena: Kimua DK + Una persona de un grupo aún no especificado.
Reparto: Kimua DK
Producción: Dr. Kumua
CURRICULUM
Los bailarines que integran Kimua dk se definirían como un grupo de bailarines a los que les gusta bailar y bailar. Junto a su carrera y desarrollo de la danza, su motivación y entusiasmo por la danza, gestionan el grupo de forma autogestionada.
SINOPSIS
Kimua Dantza Kolektiboa propone un trabajo con perspectiva de género, a través de un espectáculo de danza y mediación participativa tan innovador como original. En cuanto a biología, genética y euskera, tenemos que preguntarnos si tenemos eslabones, cadenas ... desde una perspectiva de género, mirando hacia adentro.
A través de la danza, guiados por los movimientos del cuerpo, podremos percibir los roles que asumimos o los que nos son asignados. Si fuéramos verdaderamente libres, ¿cómo nos moveríamos? Como bailariamos Y tú, ¿te atreves a dar el primer paso de baile? ¿Romper lazos? ¿Ser verdaderamente libre?
Un espectáculo: Hiru Hitzetan
Tres compañías: Nerea Gurrutxaga & Oihana Vesga (Donostia), Amaia Elizaran & Xabier Zeberio (Tolosa), NODE (Donosti)
Tres piezas de danza contemporánea: "Leiho zikin, zeru garbi", "OUT", "Emakumeak"
Seis intérpretes en escena: Myriam Perez Cazabon, Jone Amezaga, Nerea Gurrutxaga, Oihana Vesga, Amaia Elizaran, Xabier Zeberio
Luces: Ion Estala.
Producción, distribución: Ana Barrantes.
Duración: 70min.
Formato: Calle | Teatro.
SINOPSIS
"Hiru Hitzetan" está compuesto por tres piezas, de 20 minutos cada una aproximadamente, de tres compañías de Euskal Herria. “Hiru Hitzetan” es la puesta en escena de tres voces unidas en una sola, en un espacio donde confluyen y conviven estas tres historias femeninas que habitan entre la resiliencia, el empoderamiento y la libertad.
"Emakumeak" - Node
Intérpretes: Myriam Perez Cazabon, Jone Amezaga.
Coreografía: Myriam Perez Cazabon.
Música original: Aránzazu Calleja.
Vestuario Costumes: Clara Virgili.
Filmmaker: Jesús Lacorte.
Producción ejecutiva + Distribución: Ana Barrantes.
Producción: NODE.
Creación colectiva.
Dirección: Ion Estala.
Danza contemporánea.
Duración: 18min.
CURRICULUM
NODE es una compañía de danza, performance y audiovisuales de San Sebastián. Creada en 2016, hoy la componen Ana Barrantes (producción y distribución) y Ion Estala (creador y director), siendo la compañía el punto neurálgico donde confluyen diferentes artistas. A su vez son los creadores del programa de danza mensual LABO y del festival de danza LABO XL (www.labo.eus).
La compañía ha actuado en espacios como la Feria Internacional de Danza y Teatro de Huesca, Dantza Hirian, Umore Azoka o Campos Elíseos, han recibido residencias a la creación como Sortutakoak, BAD Bilbao o Baratza Aretoa, y han sido subvencionados por El Gobierno Vasco, Diputación Foral de Gipuzkoa y de Bizkaia o el Ayuntamiento de San Sebastián.
SINOPSIS
Dos mujeres en escena; decididas y valientes. Obligadas a recorrer un viaje impuesto y violentado, unidas alcanzan un final en libertad. Este es un homenaje a todas las mujeres resilientes, una ofrenda. Un bello regalo a todas ellas, para todas nosotras.
"OUT" - Amaia Elizaran & Xabier Zeberio
Dirección, bailarina: Amaia Elizaran.
Música en directo: Xabier Zeberio.
Fotos y vídeo: Etanowski.
Estilismo: Borja Bordonabe.
Danza contemporánea + música en directo.
Duración: 20min.
CURRICULUM
La necesidad de investigar un lenguaje coreográfico propio a partir de la improvisación y de crear piezas de danza contemporánea para espacios convencionales o alternativos impulsa en 2015 la creación de la compañía.
Durante este tiempo ha contado con la ayuda a la Creación Coreográfica del programa Dantzan Bilaka del Gobierno Vasco, con el apoyo de la Diputación Foral de Guipúzcoa y su programa Sortutakoak de Dantzagunea, con una residencia artística en Topic y fue la compañía ganadora de la plataforma KARRIKAN, cuyo objetivo es impulsar la creación y, en menor medida la difusión de las artes de calle en Euskal Herria. También ha recibido subvención para la producción coreográfica mediante el Gobierno Vasco.
SINOPSIS
OUT es un espectáculo de danza contemporánea con música en directo donde la personalidad de cada uno toma importancia creando una atmósfera envolvente.
Todo es agua. Sileciosa, firme, opresiva, envolvente. Hasta que actúa la física y se rompe la tensión superficial y llega la erupción líquida. La libertad se abre paso y desaparece la angustia. El aire inunda los pulmones. Libre. OUT.
"Leiho zikin, zeru garbi" - Nerea Gurrutxaga & Oihana Vesga
Concepto: Oihana Vesga eta Nerea Gurrutxaga
Creación e interpretación: Oihana Vesga eta Nerea Gurrutxaga.
Vestuario: Lurdes Arruti.
Fotografía y video: Etanowski.
Luces: Borja Ruiz.
Danza contemporánea.
Duración: 23min.
CURRICULUM
'Leiho zikin, zeru garbi' es el primer trabajo conjunto de Nerea Gurrutxaga y Oihana Vesga. Ambas estudiaron en la London Contemporary Dance School y comenzaron sus carreras como intérpretes en el Reino Unido. Su interés común por la temática y el proceso de desarrollo que conlleva este proyecto las ha llevado a colaborar en esta creación. A comienzos del 2020 dieron inicio al proceso de creación gracias a la ayuda de Sortutakoak 15 de Gipuzkoako Dantzagunea. A continuación consiguieron la beca de Artistas en Residencia de Bilbaoeszena, con la que finalizaron la pieza y la estrenaron dentro del Festival BAD de Bilbao el 18 de octubre del 2020. Posterior al estreno la pieza ha sido presentada en el Teatro Baratza de Vitoria y en el Festival LaboXL de Tabakalera en San Sebastián.
SINOPSIS
Leiho zikin, zeru garbi (Ventana sucia, cielo limpio) analiza la influencia de espacios y contextos concretos en el cuerpo de la mujer. Mediante el trabajo del movimiento y la voz, se observan transformaciones del espacio y el comportamiento en cuanto a género. La pieza nace de una necesidad de comprender y reivindicar el espacio de la mujer.
"Idi begi" - Proyecto Larrua
Autor: Proyecto Larrua
Coreógrafía: Jordi Vilaseca
Bailarines: Maddi Ruiz de Loizaga, Jordi Vilaseca, Aritz López
Música: Bach, Machinefabriek
Duración: 16 min.
CURRICULUM
Proyecto Larrua es una compañía de Danza Contemporánea dirigida por Jordi Vilaseca y Aritz López con base en Vitoria-Gasteiz.
Coreográfica y Dramaturgicamente, la compañía tiene una visión personal sobre como aunar la fisicalidad y la emoción y de como escenificarla, utilizando elementos del imaginario común del espectador y contemporanizarlo.
El repertorio de la compañía abarca diferentes especialidades:
– Para espacios urbanos y no convencionales la pieza Larrua, (Premio Compañía emergente en Umore Azoka 2016), Ozkol e Idi-Begi (Premiada en el festival MasDanza).
– Para Teatros la producción Baserri (Candidata a 3 Premios Max), Otsoa (Candidata a 1 Premio Max) y la recién estrenada Ojo de Buey.
Larrua no quiere funcionar solo coreográficamente sino que quiere abordar campos como la formación. Fruto de esto es su programa LarruaLab, un seminario de danza contemporánea en Vitoria y el Virtual-Lab, un magazine creado durante el confinamiento.
La mediación es otro de los campos importantes por los que la compañía apuesta. Por eso la compañía cuenta con un programa de audiencias con el cual trabajan mano a mano con los teatros para generar público y acercar danza.
Este Proyecto de Danza quiere abrir futuras colaboraciones con artistas locales, nacionales e internacionales, diferentes instituciones, residencias artística...
SINOPSIS
Inspirado en las pruebas de arrastre de bueyes conocidas como IDI-PROBAK en Euskal Herria, recreamos el vínculo entre el animal y el humano, su fisicalidad, la jerarquía y su lenguaje en la plaza. Todo a través de la mirada del animal.
"IzAdi" - El Lagarto Baila
Dirección: Leire Amonarriz
Coreografía e interpretación: Alberto Almazán y Leire Amonarriz
Vestuario y atrezzo: Ramón Lertxundi, Ana del Burgo y Leire Amonarriz
Escenografía: Ramón Lertxundi y Leire Amonarriz
Espacio sonoro: intérpretes, V. Maschat, J. Akoschky, tradicional africana,...
Iluminación: La Cía de la Luz
Fotografía: Luis Carlos Cuevas Género: Danza, objetos y marionetas
Público al que va dirigido: Familiar
Duración aproximada: 40 min
Formato: Pequeño. Preferiblemente con el público en el espacio escénico.
CURRICULUM
Compañía formada en 2013, surge de la necesidad de su directora, Leire Amonarriz por ampliar su acción pedagógica a través de propuestas escénicas.Partiendo de la máxima de que el arte y la cultura son parte fundamental del proceso de desarrollo integral de las personas, El lagarto baila centra su investigación en las cualidades educativas y estimulativas del lenguaje del arte y de la danza. Se trata, por tanto, de una iniciativa orientada a sensibilizar hacia la danza, considerando a la misma una parte fundamental de la cultura que hay que cuidar y fomentar.
La interdisciplinariedad entre la danza, la música y las artes plásticas es también una fuente de recursos coreográficos, pedagógicos y metodológicos de especial interés para esta iniciativa.
El Lagarto baila no es sólo una compañía, sino un proyecto multidireccional que pone en valor los componentes educativos de la danza: valores estéticos, culturales, y psico-afectivos.
SINOPSIS
Una oda al mundo de los sentidos. Un paisaje sonoro y un viaje sensorial a través del lenguaje primitivo del cuerpo. IzAdi busca inspiración coreográfca en la poesía japonesa denominada `haiku´ para transformar este género en un juego escénico dirigido a la infancia.
Partiendo de la idea esencial de describir los fenómenos naturales, la realidad y lo percibido por los sentidos, se crea una miscelánea de poemas visuales breves llenos de movimiento, color, sonido y texturas que se perciben como una caricia continua al alma.
A través del recorrido coreográfco se podrán vislumbrar paisajes en movimiento de sonidos brillantes, apagados, secos, perfumados, ondulantes, sugerentes y... un sinfín de sensaciones difíciles de describir con palabras.
LA MARIONETA / Txoria- El pájaro
La construcción de este elemento ha sido uno de los principales ejes de la creación. Para ello se ha contado con la colaboración de Ramón Lertxundi y Ana del Burgo. El primero ha diseñado y esculpido la cabeza, utilizando como materia prima la malla de gallinero y la segunda ha diseñado y tejido a ganchillo el cuerpo y el ala. El resultado de esta colaboración creativa nos ha sorprendido y nos hemos encontrado con una marioneta de inmensas posibilidades expresivas.
"J-AhO! II" - Amaiur Luluaga
Dirección: Amaiur Luluaga
Creación e interpretación: Amaiur Luluaga, Montse Àlvarez, Clàudia Gómez
Asesoramiento artístico: Myriam Perez
Fotografía y audiovisual: Iurre Aranburu, Gorka Bravo
Música: Pascal Gaigne (composición propia), Grandbrothers
Edición musical: Iñaki Plaza
Poesía y voz: Itziar Vaquero, Alba Coll, Maria Manonelles
Residencias de creación: Dantzagunea (Sortutakoak 12), CCN Malandain Biarritz (Aterpean 2019), Azkuna Zentroa (Dantzan Bilaka 2020)
Con el apoyo de: Ayuntamiento de Anoeta (Guipúzcoa)
En colaboración con: documental Bailar la locura (Marta Espar y Maiol Virgili)
Duración: 20 minutos
Formato: calle, sala y espacio no convencional
Estreno: Dantzan Bilaka 2020, octubre (Azkuna Zentroa)
SINOPSIS
J-AhO! Quién está loco, ¿tú o yo?
J-AhO! surge de una reflexión sobre el límite entre la cordura y la locura. ¿Dónde está este límite? Solemos asociar la locura con aquello que se desvía de la norma, pero ¿Qué es normal? ¿Quién decide qué es normal? El concepto “normal” es únicamente un constructo establecido por la sociedad con el fin de crear un orden en la comunidad. ¿Podría ser la locura, entonces, una herramienta de control social para señalar lo diferente y por ende sentir que tu situación es la correcta y/o normal? ¿Cuántas veces nos hemos cuestionado, a nivel individual, nuestra propia locura/cordura?
De esta cuestión nace la necesidad de compartir el proceso de creación con personas que han vivido o viven algún tipo de trastorno mental, buscando experiencias reales que aportaran veracidad a la creación. Todo esto, se plasma en el documental Bailar la locura (estreno inminente), de Marta Espar y Maiol Virgili.
En cuanto al nombre de la pieza, J-AhO!, hace referencia a la expresión “jota ha(g)o!” (¡estás como una regadera!”), utilizada en el País Vasco para decirle a alguien de una manera jocosa o también despectiva que su actitud o forma de ser no es muy común, y por lo tanto “no normal”. Por otra parte, “aho” significa boca, con lo que el nombre de la pieza también tiene su sentido en este ámbito: en la habladuría, el estigma, en las palabras que utilizamos para hablar de los demás. Además, la caligrafía de J-AhO! tiene su referencia al DSM-V, el libro de diagnosis psiquiátrico por excelencia.
J-AhO! es una pieza de danza y tres mujeres que realizan un viaje a la locura individual y colectiva. El magnesio aparece como un elemento físico y poético y actúa como hilo conductor y transformador de la pieza. El magnesio es el camino, es la línea fina, es la línea difusa, es lo correcto, es la confusión, es el apoyo, es el dolor, es la seguridad, es lo normal, es lo no normal, es el empoderamiento, es... la locura misma.
"La levedad" - Qabalum
Autoría: Martín Los Arcos, Lucía Burguete & Diego Pazó
Coreografía: Martín Los Arcos, Lucía Burguete & Diego Pazó
Dirección Escénica: Carmen Larraz
Intérpretes: Martín Los Arcos, Lucía Burguete & Diego Pazó
Producción: Coproducción con Festival DDM y La Faktoría Choreographic Center
CURRICULUM
Se conocieron como alumnos de La Facktoría Choreographic Center. Comenzaron a trabajar juntos por la gran afinidad personal que tenían y, poco a poco, desarrollaron una gran afinidad también en el trabajo, por sus intereses comunes y su gusto por la investigación.
Poco a poco nos fueron encaminando hacia la creación de su primera pieza y en ese momento nace Qabalum.
Entienden el cuerpo como vehículo de ideas y sensaciones, intentan indagar en las propiedades del movimiento; su dinámica y su poética. Su lenguaje bebe directamente de disciplinas muy acrobáticas como el breakdance y la gimnasia, así como el contact y el release entre otros.
Su trayectoria como colectivo es más bien breve, se unieron en Agosto de 2020. Ahora se encuentran creando 'La levedad', su primera pieza que ha sido mostrada ya en festivales como DanZ, Danzad, Danzad Malditos o el DZM.
SINOPSIS
Las cosas, el peso, el ruido o la importancia, las ideas, la seguridad o la duración, los sistemas, las promesas, las garantías y todos los que nos decían poseer un poquito de algo que, en verdad, siempre se nos ha estado escapando.
Cuando todo ha terminado de caerse y todo lo que hay es lo que ya no está, qué es lo que nos queda?
La levedad.
"LOF-Ladies of fight" - Doos Colectivo (Eva Guerrero)
Autoría: Eva Guerrero
Coreografía: Eva Guerrero junto a las intérpretes
Dirección Escénica: Eva Guerrero
Intérpretes: Garazi Lopez de Armentia, Leire Otamendi, Helena Wilhelmsson, Estibaliz Villa y Bego Krego
Asistente en lucha y acrobacia: Alvaro Orellana
Diseño iluminación: Arantza Heredia
Diseño vestuario y dirección de arte: Azegiñe Urigoitia
Música y espacio sonoro: Nerea Alberdi
Producción: Jemima Cano
Duración: 50 min.
CURRICULUM
DOOS es un colectivo artístico. Creado en Bilbao en 2012 por Eva Guerrero y Jemima Cano.
Trabajamos para crear propuestas culturales, difundirlas y compartir conocimiento.
Partimos de la idea de que el arte no debe ser algo elitista sino que todas las personas deben tener acceso a él, y por eso nos dedicamos no sólo a crear espectáculos, sino a acercarlos a diferentes personas y a tender puentes entre lenguajes y contextos.
Creamos desde la danza, pero en muchas direcciones Acompañamos a otras y otros aportando lo que sabemos hacer ya sea en gestionar espacios de creación, proyectos internacionales, o programas de sensibilización.
SINOPSIS
LOF-Ladies of fight es un espectáculo de danza tragicómico en formato de lucha libre femenina.
Parte de esa puesta en escena, 1 ring, 4 mujeres que se disputan el título de la liga nacional en formato aparente de un 2 contra 2. Todo bajo la mirada de 1 árbitra-maestra de ceremonias, no menos peculiar.
Se trata de un espectáculo de danza y humor que ironiza desde una lucha libre sin complejos, el combate que supone cada día vivir del arte, mostrando la triste realidad que esconde la frivolidad del show business.
"Neanderthal" - Compañía David Vento Dance Theatre
Idea y dirección: David Ventosa Fuertes
Intérpretes: Víctor Lázaro / Graciel Stenio Lisboa Recio (Suplente 1), Francisco Lorenzo / Paola Cabello Schoenmakers (Suplente 1), David Ventosa Fuertes, Jesús Silverio Cavia Camarero
Música: Silberius de Ura – neønymus
Videomapping: Imanol Garaizabal – David Ventosa
Iluminación: Juan Carlos Gallardo
Fotografía: Julia Carretero
CURRICULUM
El salmantino David Vento es un artista multidisciplinar, director y coreógrafo. Tras formar parte de compañías de danza urbana como Dani Panullo Dance Co. o Circle of Trust o participar en el programa de creación artística Watermill Summer Program: a laboratory for performance, en The Watermill Center (NY), donde comienza a trabajar con Robert Wilson, crea su propia compañía en 2018, tras la producción de la pieza de danza Indala premiada como mejor creación coreográfica en dos certámenes. Es entonces cuando David decide embarcarse en la producción y dirección de la obra Neanderthal que ha sido estrenada con gran éxito en septiembre de 2019 en el Centro Cultural Paco Rabal de Madrid y recibiendo el PREMIO FETEN 2020 MEJOR ESPECTÁCULO DE NOCHE en Gijón.
SINOPSIS
Neanderthal es la epopeya humana. Es nuestro primo (no tan) lejano levantándose antes que el Sapiens. Es el baile de los chamanes. Es la manipulación de la conciencia colectiva. Es el ayer y el hoy. Es danza, música en directo, teatro y videoarte al servicio de la belleza. Sentir la esencia del ser humano primitivo en el ser humano de hoy. Neanderthal podría ser como aquel disco de oro que portan las sondas Voyager lanzadas en 1977, aquel disco con grabados y sonidos de la tierra que fue lanzado al espacio con la esperanza de que otra civilización las encuentre y nos encuentre. Mapas, dibujos, sonidos, músicas del mundo, discursos del presidente Jim Carter… Pero quizás esa civilización que lo encuentre seamos nosotros mismos dentro de cuarenta mil años.
¿Cómo nos verá la civilización que nos suceda?
"Ojo de buey" - Proyecto Larrua
Coreografía: Jordi Vilaseca
Intérpretes: Helena Wilhelmsson, Jordi Vilaseca y Aritz López
Diseño de Luces: David Alcorta
Vestuario: Proyecto Lurra
Musica Original: Bach
Espacio Sonoro: Aritz López
Fotografías: Maider Jimenez, Estudio Linonda
Coproducción: Departamento de Cultura del Gobierno Vasco y Red municipal de teatros de Vitoria-Gasteiz
CURRICULUM
Proyecto Larrua es una compañía de Danza Contemporánea dirigida por Jordi Vilaseca y Aritz López con base en Vitoria-Gasteiz.
Coreográfica y Dramaturgicamente, la compañía tiene una visión personal sobre como aunar la fisicalidad y la emoción y de como escenificarla, utilizando elementos del imaginario común del espectador y contemporanizarlo.
El repertorio de la compañía abarca diferentes especialidades:
– Para espacios urbanos y no convencionales la pieza Larrua, (Premio Compañía emergente en Umore Azoka 2016), Ozkol e Idi-Begi (Premiada en el festival MasDanza).
– Para Teatros la producción Baserri (Candidata a 3 Premios Max), Otsoa (Candidata a 1 Premio Max) y la recién estrenada Ojo de Buey.
Larrua no quiere funcionar solo coreográficamente sino que quiere abordar campos como la formación. Fruto de esto es su programa LarruaLab, un seminario de danza contemporánea en Vitoria y el Virtual-Lab, un magazine creado durante el confinamiento.
La mediación es otro de los campos importantes por los que la compañía apuesta. Por eso la compañía cuenta con un programa de audiencias con el cual trabajan mano a mano con los teatros para generar público y acercar danza.
Este Proyecto de Danza quiere abrir futuras colaboraciones con artistas locales, nacionales e internacionales, diferentes instituciones, residencias artística...
SINOPSIS
Inspirado en las pruebas de arrastre de bueyes conocidas como IDI-PROBAK en Euskal Herria, recreamos el vinculo entre el animal y el humano, su fisicalidad, la jerarquía y su lenguaje en la plaza. Todo a través de la mirada del animal.
Un trabajo que pretende reflexionar de manera crítica sobre la realidad de dichas pruebas de arrastre, desde la mirada, desde el ojo del buey protagonista de las pruebas, de ahí su nombre, Ojo de buey. A través de tres bailarines en escena la obra reflexiona sobre la no presencia de la mujer en estos espacios, o la dudosa moralidad de este tipo de deportes, recreando a su vez el peso, la emoción, la carga y la dureza de este tipo de deportes.
"Órbita" - Zen del Sur
Intérpretes: Carlos López Aragón (Danza, acrobacia, rueda cyr, piano y percusión), Noemí Pareja Muñoz (Danza, boleadoras, guitarra y percusión)
Técnico y diseño de iluminación: Almudena Oneto
Técnico y diseño sonoro: Oscar Vizcaíno
Escenografía: Carlos Monzón y Antonio García (construcción de cajones flamencos)
Vestuario: Laura León y Carmen Muñoz
Composición Músical: Noemí Pareja y Carlos López
Coreografía: Carlos López y Noemí Pareja
Producción: Zen del Sur
Dirección: Carlos López
Asistencia en dirección: Noemí Pareja
Mirda Externa: Rob Tanion
Colaboraciones: Karen Lugo y Francisco Vidosa
CURRICULUM
Zen del Sur nace de la unión de dos artistas procedentes del ámbito circense y de la danza, Carlos López y Antonio Vargas. Ambos decidieron unificar sus trayectorias personales y desarrollar una propuesta artística que integrara la fusión de diferentes artes como la Danza Acrobática, la Música y el Circo.
La Compañía está comprometida con una forma de aprendizaje donde la improvisación y la exploración de nuevos lenguajes son cruciales a lo largo de todo su proceso creativo. Destaca el carácter polifacético de sus artistas y sus capacidades para generar expectación y transmitir una sensibilidad especial en escena a través del control y la expresividad corporal fusionada con la música.
SINOPSIS
Trayectoria que describe un objeto físico alrededor de otro, bajo la influencia de una fuerza central.
Órbita es pura poesía en movimiento y representa metafóricamente la relación que se establece entre estos dos artistas que comparten una misma esencia y la influencia de una huella imborrable, Cádiz, el mar y el arte flamenco.
Una obra cargada de fuerza y sensibilidad en el que se puede apreciar un verdadero mestizaje artístico y una visión integradora del arte y los diferentes lenguajes escénicos que la componen.
"Tempus fugit" - LaMov
BAILARINES-AS: Mattia Furlan, Elena Gil, Paula Rodríguez, David Serrano, Alain Rivero, Imanol López, Jimena Martínez, Paula Aragón.
DIRECCIÓN Y COREOGRAFÍA: Víctor Jiménez
SINOPSIS
Partir, recolocarse, crecer, añorar, creer. Palpitar. Golpear. Pasado, futuro, ahora. Invierno, primavera. Amar, olvidar. Buscar, desear. Ayer, noche, día, mañana, ahora... nada. Ansiedad, prisa, avanzar. Pausa, presente, fugacidad. Hablar, correr. Dolor, ira. Dolor. Emoción, asombro, espanto, cambio, ilusión. Evolución. Ir, llegar. Belleza, amor, risas. Cenizas. Nada.
La obra es un viaje frenético, apasionante y hasta doloroso, representa el paso de la vida y lo que dejamos en ella a nuestro paso.
Tempus fugit es belleza, es amor, es dolor, es risa, es ceniza.
"The Big Game 5.0" - Lôkke | Olatz de Andrés
Dirección: Olatz de Andrés
Asistente de dirección: Robert Jackson
Intérpretes: Pilar Andrés, Aiala Etxegarai, Natalia G. Muro, Isabel Álvarez e Iñigo Rementeria
Iluminación: Octavio Más
Sonido: Marc Cano
Vestuario: Xabier Mujika
Producción: Vanesa Fuentes
Vídeo: Beñat Fontaneda
Fotografia: Gorka Bravo
Distribución: Lokke
SINOPSIS
The Big Game 5.0 version adaptada con 5 intérpretes es un desarrollo del proyecto, artistico y pegagógicocomunitario, original The Big Game. El proyecto original invita a 28 participantes cada vez que se realiza a bailar con la compañía para convertir la escena en un tablero de ajedrez y dar vida a La Inmortal, una partida jugada en Londres (1851) conocida por su belleza, creando de un ajedrez viviente coreográfico.
Debido a la situación sanitaria actual y a la imposibilidad de trabajar con grupos grandes, hemos creado una versión que no cuenta con participantes locales en escena y es interpretada por 5 bailarines/as.
Esta version se basa en los materiales originales y al mismo tiempo introduce un nuevo elemento que hace el papel de Joker: el espíritu del ajedrez oculta su cuerpo bajo la textura del tablero y acaba introduciéndose en el tablero para convertirse en el juego mismo, así como, el rey perdedor de la partida que es atacado y absorbido por sus propias piezas. Las intérpretes juegan a viajar entre diferentes roles o piezas: una reina, un alfil, un caballo, un peon, dos bandos opuestos, para acabar mezclándose en una masa final que nos muestra que al margen de posición, identidad o ideología al final todos somos lo mismo, cuerpos.
Taller The Big Game
Sin olvidar la dimensión pedagógica que ha tenido la version original, esta version sigue incluyendo como actividad paralela la realización de un taller más breve, basado en el proyecto original, de 3 días 3 horas cada día, impartido por dos miembros de la compañía. Este taller es adaptable a las necesidades del teatro.
El mundo del ajedrez es infinito y la analogía entre tablero y escena abre muchas posibilidades coreográficas. Proponemos compartir con los/as participantes todo el imaginario artístico y materiales físicos de la pieza. De manera puedan vivirla desde dentro cuando vengan a verla al teatro.
XVII Circuito de Danza Contemporánea (2021)
OBRAS
"Around the world" - Brodas Bros
Idea original y coreografía: Brodas Bros
Dirección artística: Lluc Fruitós
Bailarines: Pol Fruitós, Lluc Fruitós, Berta Pons, Clara Pons y Marc Carrizo
Música: Clozee, Arturo Calvo y Lluc Fruitós
CURRICULUM
La compañía Brodas Bros nace en el año 2006 y, desde sus inicios, las dos parejas de hermanos y hermanas Pol y Lluc Fruitós y Berta y Clara Pons forman el núcleo que impulsa todos sus proyectos, que se caracterizan por una enorme versatilidad.
SINOPSIS
Un gran cuaderno de viajes inunda el escenario, en él, un recopilatorio de las vivencias y anécdotas vividas por los Brodas Bros en las giras internacionales que han hecho alrededor del mundo; Brasil, Palestina, San Francisco, Los Ángeles, Honduras, Japón y una gran influencia de China donde han estado 3 meses de gira en este último año.
Unos Brodas Bros muy futuristas y robóticos, pero también muy humanos y sensibles. Mapping, proyección interactiva, láser, danza aérea, vestuario de leds… Una combinación de danza, luz, tecnología y música sorprendente. El show más tecnológico de Brodas Bros jamás visto hasta ahora.
Estos recuerdos que se quedan en la memoria nos hacen ver que gracias a estas experiencias somos lo que somos ahora mismo, en el presente. Un presente que tenemos que vivir, un presente que los Brodas Bros quieren compartir con el público, ¡del que tú formas parte!
¡Báilate la vida!
"Basaide" - Bilaka
Coreografía: Eneko Gil
Composición: Paulo Olaz
Bailarines: Arthur Barat, Zibel Damestoy, Ioritz Galarraga, Iban Garat, Oihan Indart
Música: Paula Olaz & Julen Achiary
Duración: 30min
CURRICULUM
Bilaka es un colectivo de artistas residente en Bayona, que trabaja a la activación contemporánea la música y danza tradicionales del País Vasco.
Su trabajo se desarrolla alrededor de dos ejes fundamentales:
- La creación de espectáculos basándose en las nuevas lecturas de escrituras del patrimonio cultural vasco.
- La creación de actividades prácticas populares y bailes tradicionales para generar enlaces sociales y populares, alrededor de la cultura vasca.
Bilaka se ha convertido en los últimos años en una referencia cultural vasca de nuestros tiempos. De la mano de la Escena Nacional de Bayona, sus últimas creaciones han sido elegidas en la Red de Teatro de Euskadi (SAREA) y también en la de Navarra (RTN).
Además de sus creaciones, Bilaka lleva a cabo un importante trabajo para la sensibilización. De la mano de la Federación Vasca de Danza, el colectivo está ligado al desarrollo práctico de la danza y la música tradicional dirigido a las nuevas generaciones. Bilaka es también compañía residente de la plataforma Oldeak, ligado al Conservatorio Maurice Ravel de Bayona.
Verdadero embajador del País Vasco, Bilaka lleva consigo la imagen de una cultura viva, inscrita en el tiempo, pero fuerte en su identidad y abierta al mundo.
SINOPSIS
En las alturas de las montañas Soule, los pastores se entregan a una forma de canto en comunión con la naturaleza, con el mundo salvaje. Sin palabras, estos basaides traducen el vuelo del águila o las “CHOCARD” para expresar el asombro y la humildad del hombre frente a la inmensidad de la naturaleza.
Esta práctica ancestral constituye la materia prima de una nueva escritura que el coreógrafo Eneko Gil desarrolla a partir de las tradiciones de la danza souletine. Invita a los intérpretes a una introspección que parte de la tierra para llegar a las cumbres y cuestiona el poder del movimiento en su relación con lo íntimo, pero también con el otro, con la memoria, con el grupo y con el tiempo.
"Echoes" - Cía. Moveo
Idea, dirección y coreografía: Stéphane Lévy
Intérpretes: Agnès Jabbour, Neilor Moreno, Xavier Palomino, Siziana Reiser, Alma Steiner y Adrià Viñas
Vestuario: Joana Martí
Asesoramiento de voz: Mariantònia Salas
Espacio sonoro: Stéphane Lévy
Producción ejecutiva: Estel•la Muñiz
CURRICULUM
Desde 2005, la CIA MOVEO lleva a los escenarios internacionales un trabajo de creación que explora las posibilidades narrativas del cuerpo y la riqueza expresiva del movimiento. Lejos de la ilustración a través de gestos, y lejos también de una plasticidad abstracta del cuerpo separada de la teatralidad, la CIA MOVEO investiga y trabaja en el desarrollo de un lenguaje físico que busca constantemente la conexión entre diferentes disciplinas.
Ganadora de los Premios Dansacat 2020
SINOPSIS
Echoes se estrenó en el Festival d’Arts de Carrer de La Mercè 2020 y evoca de manera lúdica e irónica el deseo de individualidad y las conexiones/interdependencias que existen entre nosotros/as, desde un lenguaje propio profundamente físico que mezcla el teatro, la danza y la acrobacia, creando una experiencia colectiva.
¿De dónde nacen nuestras acciones, nuestros pensamientos, nuestros deseos? ¿Son propios o son ecos del mundo que nos rodea?
"Eh man hé, mecánica del alma" - Zero en conducta
Autoría: Zero en Conducta
Coreografía: José Antonio Puchades 'Putxa' y Julieta Gascón
Dirección Escénica: José Antonio Puchades 'Putxa' y Julieta Gascón.
Asistente de Dirección: David Maqueda
Intérpretes: Julieta Gascón, Jonathan Guisado, Elena Lalucat, Pino Steiner y 'Putxa'
CURRICULUM
Zero en conducta, teatre del moviment es un proyecto creado en el 2011 por José Antonio Puchades 'Putxa' con la intención de explorar el potencial expresivo de diferentes artes escénicas relacionadas con el movimiento. Así pues su investigación está centrada en la unión del Mimo corporal, la danza, los títeres y el teatro físico en general. Zero en Conducta también se dedica a la docencia centrada en la manipulación de objetos y cuerpo y a la producción audiovisual.
SINOPSIS
Antiguamente los Cheyenne llamaban Eh man hé! a las personas con varios espíritus. Esta es la historia de un Eh man hé y sus cinco espíritus. Bailarinxs, actores físicos y titiriterxs dan vida al cuerpo, las emociones y la imaginación de Nolan, nuestro protagonista, que en su condición de títere se pregunta ¿Qué es aquello que me mueve?
Nolan ignorando que es un muñeco, emprenderá un viaje tan incierto que para dar el primer paso tendrá que salir de su estado de inmovilidad. Estado que deprime al ser y lo convierte en cárcel y carcelero a la vez. Nadie dijo que sería fácil, pues sus ilusiones, sueños, esperanzas y sí, también sus dudas y miedos, serán los compañerxs que le llevarán por una búsqueda cuya respuesta depende del fervor con el que se camina.
"El cuento de Persépolis" - La Coja Dansa
Dirección y creación: Tatiana Clavel y Raúl León
Ayudante de dirección: Vir Roig
Interpretación y Coreografía: Paula Romero, Inka Romaní, Julia Zac
Dirección de movimiento: Santi de la Fuente
Escenografía: Raúl León
Iluminación: Diego Sánchez
Ilustración: Eixa Isa
Música: Damián Sánchez
Textos: Maribel Bayona
CURRICULUM
La Coja Dansa aparece en 2004 y desde entonces ha apostado siempre por un lenguaje tambaleante en el que la mayoría de las preguntas quedan en el aire.
Expertos en el uso del audiovisual como elemento dramatúrgico y en la creación de pequeños mundos llenos de matices, los de La Coja insisten en la necesidad de alejarse de modelos y de convenciones para atacar el escenario con sinceridad. Sus piezas buscan una forma que acoja la incertidumbre y lo hacen con resultados estéticos exquisitos de gran impacto emocional.
Tatiana Clavel y Santi de la Fuente dirigen esta compañía que ha visitado Portugal, Alemania, Egipto, Brasil, Francia y se ha recorrido toda España.
SINOPSIS
La historia comienza cuando dos niñas que viven en diferentes planetas encuentran el libro de Persépolis. Su lectura les generará preguntas sobre la situación de las mujeres en la historia. A partir de aquí ambas comenzarán un viaje por la historia, el espacio y el tiempo que las llevará a encontrarse en un punto en común. Con "El cuento de Persépolis" rendimos homenaje a las escritoras de ciencia ficción que con sus obras literarias han cuestionado desde los márgenes el estatus de las mujeres y sus constantes pérdidas de derechos.
La Coja Dansa en esta propuesta para público familiar cuida hasta el último detalle y ofrece un montaje de extraordinaria belleza con un ritmo adecuado para las ávidas miradas de la infancia. Para ello utilizan la confluencia entre el cómic, la danza, el videomapping y el cine en la escena, llegando a unos resultados sorprendentes.
"El diablo en la playa" - Matarile Teatro
Dirección: Ana Vallés
Interpretación: Celeste, Claudia Faci
Textos: Ana Vallés
Otros textos: Celeste, Claudia Faci
Coreografía: Celeste, Claudia Faci
Iluminación: Baltasar Patiño, Miguel Muñoz
Espacio escénico: Baltasar Patiño
Montaje musical: Baltasar Patiño
Vídeo proyección: Matarile
Vestuario: Matarile, Naftalina, Nuria González
Documentación proceso: Matarile
Fotografía: Rubén Vilanova
Edición y publicación de los textos: Ediciones Invasoras
CURRICULUM
Sus directores artísticos, Ana Vallés y Baltasar Patiño, fundan la compañía en el año 1986 en Compostela, donde también son promotores de espacios de exhibición para la creación contemporánea.
En 1993 crean el Teatro Galán, espacio destinado a la programación y difusión del teatro y la danza contemporáneos en Galicia.
En 1995 impulsan durante doce años el Festival Internacional de Danza En Pé de Pedra. Estos dos proyectos han sido el germen del teatro y la danza contemporáneos en Galicia, impulsando a numerosos coreógrafos/as emergentes.
En 2017 irrumpen con un proyecto insólito, creando un espacio in-permanente de exhibición y resistencia, la saLa Montiel, independiente de presupuestos y normativas oficiales.
Han puesto en escena más de 30 espectáculos con los que ha alcanzado más de veinte premios y menciones en distintos puntos de España y Europa.
SINOPSIS
En el principio fue el caos.
Después, con Celeste y Claudia, C y C, llegaron las tentaciones.
El (re)conocimiento de Celeste y la fantasía de Claudia.
Dice Roy Andersson que el plano general, el espacio que rodea a una persona, dice más de ella que su propio rostro.
Cómo consideraremos aquí el cuerpo, como primer plano que acompaña al rostro y conforma el prejuicio de un estereotipo? O como parte del plano general que define una forma de estar y habitar?
El diablo paseándose en bicicleta por las calles vacías, como ángel custodio sin cuerpo que acompañar.
El errante que se equivoca y el errante que vaga sin sentido.
Reunir a Claudia y a Celeste es como convocar al ángel y al demonio, sin intentar definir quién es qué, quién es quién, o en qué momento son intercambiables.
Ana Vallés
"En Picado" - AI DO PROJECT Elkartea
Dirección: Iker Arrue.
Asistente de dirección: Mar Rodriguez Valverde.
Dramaturgia y puesta en escena: Mar Rodriguez e iker Arrue.
Coreografía: AI DO PROJECT ensemble.
Música original: Idoia Hernández, HATXE.
Diseño de luces: Ivan Mar)n.
Diseño y realización de vestuario: Amada Dominguez.
Intérpretes: Myriam Perez, Aritz Lopez, Helena Wilhelmsson, Oihana Vesga, Mar Rodriguez, Idoia Hernández, Aitor Zabala.
CURRICULUM
De la necesidad de buscar un lenguaje coreográfico que pudiera adaptarse y dar respuesta a inquietudes específicas, y con la finalidad de plantear y mostrar al público estas reflexiones, en el año 2009 se creó la iniciativa AI DO PROJECT, dirigida por Iker Arrue, y que entre otros se desarrolla con el apoyo del Gobierno Vasco.
La palabra "aikido" está formada por tres caracteres kanji que hoy día se utilizan en la escritura japonesa:
ai – unidad, combinación, adecuar.
ki – espíritu, energía, estado animico, moral.
do – forma, camino.
SINOPSIS
Una creación para 5 bailarines que se explora el suicidio, la angustia y la promiscuidad.
La pieza toma como punto de partida varios relatos del siglo XIX, en los que se aborda la figura del doble, con el objetivo de invitar a un análisis (psiquiátrico, psicológico o filosófico) en torno a la búsqueda de la propia identidad en la sociedad contemporánea.
La pieza propone una mirada positiva frente a esas situaciones que a priori se nos presentan desfavorables: “Aceptar no es que deje de dolerte, es que dejes de pelear con la vida por cómo fueron las cosas. Y, si puedes, extraer un aprendizaje. Nunca volvemos a ser los mismos, pero existe la belleza colateral”.
"Errotzen" - Zinbulu kolektiboa
Idea: Zinbulu Kolektiboa
Dirección: creación colictiva
Dantzaris: Irune Uriarte Bikarregi, Sara Gil Sagredo y Naia Negredo
Producción: Zinbulu Kolektiboa
Duración: de 20 a 30 minutos
SINOPSIS
Errotzen es un viaje a través de las emociones, una invitación a alterar la mirada del espectador. Asimismo, este espectáculo pretende vestir de movimiento y colores nuestras ciudades, dotar de vida a las paredes vacías y poner en vertical nuestro escenario. Buscamos volver a la base, a ese lugar donde tiemblan los cuerpos, observan los ojos y se despiertan los sentidos. Esta pieza refleja el ritmo salvaje en el que vivimos actualmente, que nos vuelve esclavos de la prisa y de la tecnología.
Es hora de reflexionar y de relacionarnos de nuevo con todos nuestros sentidos, a través de la danza que se vive, se siente y se comparte.
Te invitamos a huir por un momento del mundo virtual.
"Hoy puede ser un gran día para liberar emociones, comunicarnos de nuevo, encontrarnos con la mirada. No dejemos que las pantallas jaqueen el tiempo del amor". Liliana González.
"Fugas" - Matxalen Bilbao
Dirección y Coreografía: Matxalen Bilbao
Intérpretes: Nekane Mendizabal, Miren Lizeaga, Aiala Echegaray, Natalia García, Nerea Martínez
Música. Chopin and Bach
Vestuario. Java Vintage
Residencias. La FuNdicIOn , Utopian, CDART
Producción. Infinita escena
Subvenciona. Gobierno Vasco Dpto. de Cultura
CURRICULUM
Durante estos 20 años como creadora Matxalen Bilbao ha perfilado un vocabulario personal, interesada en profundizar y desarrollar su propio pensamiento sigue insistiendo rigurosa y metódicamente en sus inquietudes, trazando un camino coherente donde se revela una querencia por el movimiento y su organización espacio-temporal como medio de expresión de ideas.
Es Diplomada en Educación Básica en la especialidad de Ciencias Humanas por la U.P.V. En 2007-2008 obtiene el Master en Artes y Ciencias del Espectáculo UPV. Desde 1998 compagina la labor de intérprete, coreógrafa con la de profesora de danza contemporánea.
En los últimos años dirige a jóvenes bailarines con los que ha creado 2 piezas para espacios urbanos donde indaga en el grupo. Abierta a la colaboración con otros creadores ha trabajado para distintas compañías en Euskadi y en el Estado.
Sus obras ofrecen al espectador fragilidad y fuerza, seguridad y vulnerabilidad, intimidad y osadía. Abstracción cargada de humanidad, un juego de lógicas y retos con los que ofrecer el acceso.
SINOPSIS
En FUGAS se enlazan figuras de organizaciones y composiciones escultóricas a través de la música de Chopin y Bach que sirven de disparadores creativos para construir una atmosfera atemporal donde las referencias clásicas se contrastan con las actuales, donde se contrasta la delicadeza de Chopin con la fuerza de Bach.
Un viaje emocionante y fugaz.
"GenEroa" - Kimua Dantza Kolektiboa
Autor(es): Kimua DK.
Coreógrafo(s): Kimua DK + Coreógrafos fuera del colectivo aún no especificado
Dirección de escena: Kimua DK + Una persona de un grupo aún no especificado.
Reparto: Kimua DK
Producción: Dr. Kumua
CURRICULUM
Los bailarines que integran Kimua dk se definirían como un grupo de bailarines a los que les gusta bailar y bailar. Junto a su carrera y desarrollo de la danza, su motivación y entusiasmo por la danza, gestionan el grupo de forma autogestionada.
SINOPSIS
Kimua Dantza Kolektiboa propone un trabajo con perspectiva de género, a través de un espectáculo de danza y mediación participativa tan innovador como original. En cuanto a biología, genética y euskera, tenemos que preguntarnos si tenemos eslabones, cadenas ... desde una perspectiva de género, mirando hacia adentro.
A través de la danza, guiados por los movimientos del cuerpo, podremos percibir los roles que asumimos o los que nos son asignados. Si fuéramos verdaderamente libres, ¿cómo nos moveríamos? Como bailariamos Y tú, ¿te atreves a dar el primer paso de baile? ¿Romper lazos? ¿Ser verdaderamente libre?
Un espectáculo: Hiru Hitzetan
Tres compañías: Nerea Gurrutxaga & Oihana Vesga (Donostia), Amaia Elizaran & Xabier Zeberio (Tolosa), NODE (Donosti)
Tres piezas de danza contemporánea: "Leiho zikin, zeru garbi", "OUT", "Emakumeak"
Seis intérpretes en escena: Myriam Perez Cazabon, Jone Amezaga, Nerea Gurrutxaga, Oihana Vesga, Amaia Elizaran, Xabier Zeberio
Luces: Ion Estala.
Producción, distribución: Ana Barrantes.
Duración: 70min.
Formato: Calle | Teatro.
SINOPSIS
"Hiru Hitzetan" está compuesto por tres piezas, de 20 minutos cada una aproximadamente, de tres compañías de Euskal Herria. “Hiru Hitzetan” es la puesta en escena de tres voces unidas en una sola, en un espacio donde confluyen y conviven estas tres historias femeninas que habitan entre la resiliencia, el empoderamiento y la libertad.
"Emakumeak" - Node
Intérpretes: Myriam Perez Cazabon, Jone Amezaga.
Coreografía: Myriam Perez Cazabon.
Música original: Aránzazu Calleja.
Vestuario Costumes: Clara Virgili.
Filmmaker: Jesús Lacorte.
Producción ejecutiva + Distribución: Ana Barrantes.
Producción: NODE.
Creación colectiva.
Dirección: Ion Estala.
Danza contemporánea.
Duración: 18min.
CURRICULUM
NODE es una compañía de danza, performance y audiovisuales de San Sebastián. Creada en 2016, hoy la componen Ana Barrantes (producción y distribución) y Ion Estala (creador y director), siendo la compañía el punto neurálgico donde confluyen diferentes artistas. A su vez son los creadores del programa de danza mensual LABO y del festival de danza LABO XL (www.labo.eus).
La compañía ha actuado en espacios como la Feria Internacional de Danza y Teatro de Huesca, Dantza Hirian, Umore Azoka o Campos Elíseos, han recibido residencias a la creación como Sortutakoak, BAD Bilbao o Baratza Aretoa, y han sido subvencionados por El Gobierno Vasco, Diputación Foral de Gipuzkoa y de Bizkaia o el Ayuntamiento de San Sebastián.
SINOPSIS
Dos mujeres en escena; decididas y valientes. Obligadas a recorrer un viaje impuesto y violentado, unidas alcanzan un final en libertad. Este es un homenaje a todas las mujeres resilientes, una ofrenda. Un bello regalo a todas ellas, para todas nosotras.
"OUT" - Amaia Elizaran & Xabier Zeberio
Dirección, bailarina: Amaia Elizaran.
Música en directo: Xabier Zeberio.
Fotos y vídeo: Etanowski.
Estilismo: Borja Bordonabe.
Danza contemporánea + música en directo.
Duración: 20min.
CURRICULUM
La necesidad de investigar un lenguaje coreográfico propio a partir de la improvisación y de crear piezas de danza contemporánea para espacios convencionales o alternativos impulsa en 2015 la creación de la compañía.
Durante este tiempo ha contado con la ayuda a la Creación Coreográfica del programa Dantzan Bilaka del Gobierno Vasco, con el apoyo de la Diputación Foral de Guipúzcoa y su programa Sortutakoak de Dantzagunea, con una residencia artística en Topic y fue la compañía ganadora de la plataforma KARRIKAN, cuyo objetivo es impulsar la creación y, en menor medida la difusión de las artes de calle en Euskal Herria. También ha recibido subvención para la producción coreográfica mediante el Gobierno Vasco.
SINOPSIS
OUT es un espectáculo de danza contemporánea con música en directo donde la personalidad de cada uno toma importancia creando una atmósfera envolvente.
Todo es agua. Sileciosa, firme, opresiva, envolvente. Hasta que actúa la física y se rompe la tensión superficial y llega la erupción líquida. La libertad se abre paso y desaparece la angustia. El aire inunda los pulmones. Libre. OUT.
"Leiho zikin, zeru garbi" - Nerea Gurrutxaga & Oihana Vesga
Concepto: Oihana Vesga eta Nerea Gurrutxaga
Creación e interpretación: Oihana Vesga eta Nerea Gurrutxaga.
Vestuario: Lurdes Arruti.
Fotografía y video: Etanowski.
Luces: Borja Ruiz.
Danza contemporánea.
Duración: 23min.
CURRICULUM
'Leiho zikin, zeru garbi' es el primer trabajo conjunto de Nerea Gurrutxaga y Oihana Vesga. Ambas estudiaron en la London Contemporary Dance School y comenzaron sus carreras como intérpretes en el Reino Unido. Su interés común por la temática y el proceso de desarrollo que conlleva este proyecto las ha llevado a colaborar en esta creación. A comienzos del 2020 dieron inicio al proceso de creación gracias a la ayuda de Sortutakoak 15 de Gipuzkoako Dantzagunea. A continuación consiguieron la beca de Artistas en Residencia de Bilbaoeszena, con la que finalizaron la pieza y la estrenaron dentro del Festival BAD de Bilbao el 18 de octubre del 2020. Posterior al estreno la pieza ha sido presentada en el Teatro Baratza de Vitoria y en el Festival LaboXL de Tabakalera en San Sebastián.
SINOPSIS
Leiho zikin, zeru garbi (Ventana sucia, cielo limpio) analiza la influencia de espacios y contextos concretos en el cuerpo de la mujer. Mediante el trabajo del movimiento y la voz, se observan transformaciones del espacio y el comportamiento en cuanto a género. La pieza nace de una necesidad de comprender y reivindicar el espacio de la mujer.
"Idi begi" - Proyecto Larrua
Autor: Proyecto Larrua
Coreógrafía: Jordi Vilaseca
Bailarines: Maddi Ruiz de Loizaga, Jordi Vilaseca, Aritz López
Música: Bach, Machinefabriek
Duración: 16 min.
CURRICULUM
Proyecto Larrua es una compañía de Danza Contemporánea dirigida por Jordi Vilaseca y Aritz López con base en Vitoria-Gasteiz.
Coreográfica y Dramaturgicamente, la compañía tiene una visión personal sobre como aunar la fisicalidad y la emoción y de como escenificarla, utilizando elementos del imaginario común del espectador y contemporanizarlo.
El repertorio de la compañía abarca diferentes especialidades:
– Para espacios urbanos y no convencionales la pieza Larrua, (Premio Compañía emergente en Umore Azoka 2016), Ozkol e Idi-Begi (Premiada en el festival MasDanza).
– Para Teatros la producción Baserri (Candidata a 3 Premios Max), Otsoa (Candidata a 1 Premio Max) y la recién estrenada Ojo de Buey.
Larrua no quiere funcionar solo coreográficamente sino que quiere abordar campos como la formación. Fruto de esto es su programa LarruaLab, un seminario de danza contemporánea en Vitoria y el Virtual-Lab, un magazine creado durante el confinamiento.
La mediación es otro de los campos importantes por los que la compañía apuesta. Por eso la compañía cuenta con un programa de audiencias con el cual trabajan mano a mano con los teatros para generar público y acercar danza.
Este Proyecto de Danza quiere abrir futuras colaboraciones con artistas locales, nacionales e internacionales, diferentes instituciones, residencias artística...
SINOPSIS
Inspirado en las pruebas de arrastre de bueyes conocidas como IDI-PROBAK en Euskal Herria, recreamos el vínculo entre el animal y el humano, su fisicalidad, la jerarquía y su lenguaje en la plaza. Todo a través de la mirada del animal.
"IzAdi" - El Lagarto Baila
Dirección: Leire Amonarriz
Coreografía e interpretación: Alberto Almazán y Leire Amonarriz
Vestuario y atrezzo: Ramón Lertxundi, Ana del Burgo y Leire Amonarriz
Escenografía: Ramón Lertxundi y Leire Amonarriz
Espacio sonoro: intérpretes, V. Maschat, J. Akoschky, tradicional africana,...
Iluminación: La Cía de la Luz
Fotografía: Luis Carlos Cuevas Género: Danza, objetos y marionetas
Público al que va dirigido: Familiar
Duración aproximada: 40 min
Formato: Pequeño. Preferiblemente con el público en el espacio escénico.
CURRICULUM
Compañía formada en 2013, surge de la necesidad de su directora, Leire Amonarriz por ampliar su acción pedagógica a través de propuestas escénicas.Partiendo de la máxima de que el arte y la cultura son parte fundamental del proceso de desarrollo integral de las personas, El lagarto baila centra su investigación en las cualidades educativas y estimulativas del lenguaje del arte y de la danza. Se trata, por tanto, de una iniciativa orientada a sensibilizar hacia la danza, considerando a la misma una parte fundamental de la cultura que hay que cuidar y fomentar.
La interdisciplinariedad entre la danza, la música y las artes plásticas es también una fuente de recursos coreográficos, pedagógicos y metodológicos de especial interés para esta iniciativa.
El Lagarto baila no es sólo una compañía, sino un proyecto multidireccional que pone en valor los componentes educativos de la danza: valores estéticos, culturales, y psico-afectivos.
SINOPSIS
Una oda al mundo de los sentidos. Un paisaje sonoro y un viaje sensorial a través del lenguaje primitivo del cuerpo. IzAdi busca inspiración coreográfca en la poesía japonesa denominada `haiku´ para transformar este género en un juego escénico dirigido a la infancia.
Partiendo de la idea esencial de describir los fenómenos naturales, la realidad y lo percibido por los sentidos, se crea una miscelánea de poemas visuales breves llenos de movimiento, color, sonido y texturas que se perciben como una caricia continua al alma.
A través del recorrido coreográfco se podrán vislumbrar paisajes en movimiento de sonidos brillantes, apagados, secos, perfumados, ondulantes, sugerentes y... un sinfín de sensaciones difíciles de describir con palabras.
LA MARIONETA / Txoria- El pájaro
La construcción de este elemento ha sido uno de los principales ejes de la creación. Para ello se ha contado con la colaboración de Ramón Lertxundi y Ana del Burgo. El primero ha diseñado y esculpido la cabeza, utilizando como materia prima la malla de gallinero y la segunda ha diseñado y tejido a ganchillo el cuerpo y el ala. El resultado de esta colaboración creativa nos ha sorprendido y nos hemos encontrado con una marioneta de inmensas posibilidades expresivas.
"J-AhO! II" - Amaiur Luluaga
Dirección: Amaiur Luluaga
Creación e interpretación: Amaiur Luluaga, Montse Àlvarez, Clàudia Gómez
Asesoramiento artístico: Myriam Perez
Fotografía y audiovisual: Iurre Aranburu, Gorka Bravo
Música: Pascal Gaigne (composición propia), Grandbrothers
Edición musical: Iñaki Plaza
Poesía y voz: Itziar Vaquero, Alba Coll, Maria Manonelles
Residencias de creación: Dantzagunea (Sortutakoak 12), CCN Malandain Biarritz (Aterpean 2019), Azkuna Zentroa (Dantzan Bilaka 2020)
Con el apoyo de: Ayuntamiento de Anoeta (Guipúzcoa)
En colaboración con: documental Bailar la locura (Marta Espar y Maiol Virgili)
Duración: 20 minutos
Formato: calle, sala y espacio no convencional
Estreno: Dantzan Bilaka 2020, octubre (Azkuna Zentroa)
SINOPSIS
J-AhO! Quién está loco, ¿tú o yo?
J-AhO! surge de una reflexión sobre el límite entre la cordura y la locura. ¿Dónde está este límite? Solemos asociar la locura con aquello que se desvía de la norma, pero ¿Qué es normal? ¿Quién decide qué es normal? El concepto “normal” es únicamente un constructo establecido por la sociedad con el fin de crear un orden en la comunidad. ¿Podría ser la locura, entonces, una herramienta de control social para señalar lo diferente y por ende sentir que tu situación es la correcta y/o normal? ¿Cuántas veces nos hemos cuestionado, a nivel individual, nuestra propia locura/cordura?
De esta cuestión nace la necesidad de compartir el proceso de creación con personas que han vivido o viven algún tipo de trastorno mental, buscando experiencias reales que aportaran veracidad a la creación. Todo esto, se plasma en el documental Bailar la locura (estreno inminente), de Marta Espar y Maiol Virgili.
En cuanto al nombre de la pieza, J-AhO!, hace referencia a la expresión “jota ha(g)o!” (¡estás como una regadera!”), utilizada en el País Vasco para decirle a alguien de una manera jocosa o también despectiva que su actitud o forma de ser no es muy común, y por lo tanto “no normal”. Por otra parte, “aho” significa boca, con lo que el nombre de la pieza también tiene su sentido en este ámbito: en la habladuría, el estigma, en las palabras que utilizamos para hablar de los demás. Además, la caligrafía de J-AhO! tiene su referencia al DSM-V, el libro de diagnosis psiquiátrico por excelencia.
J-AhO! es una pieza de danza y tres mujeres que realizan un viaje a la locura individual y colectiva. El magnesio aparece como un elemento físico y poético y actúa como hilo conductor y transformador de la pieza. El magnesio es el camino, es la línea fina, es la línea difusa, es lo correcto, es la confusión, es el apoyo, es el dolor, es la seguridad, es lo normal, es lo no normal, es el empoderamiento, es... la locura misma.
"La levedad" - Qabalum
Autoría: Martín Los Arcos, Lucía Burguete & Diego Pazó
Coreografía: Martín Los Arcos, Lucía Burguete & Diego Pazó
Dirección Escénica: Carmen Larraz
Intérpretes: Martín Los Arcos, Lucía Burguete & Diego Pazó
Producción: Coproducción con Festival DDM y La Faktoría Choreographic Center
CURRICULUM
Se conocieron como alumnos de La Facktoría Choreographic Center. Comenzaron a trabajar juntos por la gran afinidad personal que tenían y, poco a poco, desarrollaron una gran afinidad también en el trabajo, por sus intereses comunes y su gusto por la investigación.
Poco a poco nos fueron encaminando hacia la creación de su primera pieza y en ese momento nace Qabalum.
Entienden el cuerpo como vehículo de ideas y sensaciones, intentan indagar en las propiedades del movimiento; su dinámica y su poética. Su lenguaje bebe directamente de disciplinas muy acrobáticas como el breakdance y la gimnasia, así como el contact y el release entre otros.
Su trayectoria como colectivo es más bien breve, se unieron en Agosto de 2020. Ahora se encuentran creando 'La levedad', su primera pieza que ha sido mostrada ya en festivales como DanZ, Danzad, Danzad Malditos o el DZM.
SINOPSIS
Las cosas, el peso, el ruido o la importancia, las ideas, la seguridad o la duración, los sistemas, las promesas, las garantías y todos los que nos decían poseer un poquito de algo que, en verdad, siempre se nos ha estado escapando.
Cuando todo ha terminado de caerse y todo lo que hay es lo que ya no está, qué es lo que nos queda?
La levedad.
"LOF-Ladies of fight" - Doos Colectivo (Eva Guerrero)
Autoría: Eva Guerrero
Coreografía: Eva Guerrero junto a las intérpretes
Dirección Escénica: Eva Guerrero
Intérpretes: Garazi Lopez de Armentia, Leire Otamendi, Helena Wilhelmsson, Estibaliz Villa y Bego Krego
Asistente en lucha y acrobacia: Alvaro Orellana
Diseño iluminación: Arantza Heredia
Diseño vestuario y dirección de arte: Azegiñe Urigoitia
Música y espacio sonoro: Nerea Alberdi
Producción: Jemima Cano
Duración: 50 min.
CURRICULUM
DOOS es un colectivo artístico. Creado en Bilbao en 2012 por Eva Guerrero y Jemima Cano.
Trabajamos para crear propuestas culturales, difundirlas y compartir conocimiento.
Partimos de la idea de que el arte no debe ser algo elitista sino que todas las personas deben tener acceso a él, y por eso nos dedicamos no sólo a crear espectáculos, sino a acercarlos a diferentes personas y a tender puentes entre lenguajes y contextos.
Creamos desde la danza, pero en muchas direcciones Acompañamos a otras y otros aportando lo que sabemos hacer ya sea en gestionar espacios de creación, proyectos internacionales, o programas de sensibilización.
SINOPSIS
LOF-Ladies of fight es un espectáculo de danza tragicómico en formato de lucha libre femenina.
Parte de esa puesta en escena, 1 ring, 4 mujeres que se disputan el título de la liga nacional en formato aparente de un 2 contra 2. Todo bajo la mirada de 1 árbitra-maestra de ceremonias, no menos peculiar.
Se trata de un espectáculo de danza y humor que ironiza desde una lucha libre sin complejos, el combate que supone cada día vivir del arte, mostrando la triste realidad que esconde la frivolidad del show business.
"Neanderthal" - Compañía David Vento Dance Theatre
Idea y dirección: David Ventosa Fuertes
Intérpretes: Víctor Lázaro / Graciel Stenio Lisboa Recio (Suplente 1), Francisco Lorenzo / Paola Cabello Schoenmakers (Suplente 1), David Ventosa Fuertes, Jesús Silverio Cavia Camarero
Música: Silberius de Ura – neønymus
Videomapping: Imanol Garaizabal – David Ventosa
Iluminación: Juan Carlos Gallardo
Fotografía: Julia Carretero
CURRICULUM
El salmantino David Vento es un artista multidisciplinar, director y coreógrafo. Tras formar parte de compañías de danza urbana como Dani Panullo Dance Co. o Circle of Trust o participar en el programa de creación artística Watermill Summer Program: a laboratory for performance, en The Watermill Center (NY), donde comienza a trabajar con Robert Wilson, crea su propia compañía en 2018, tras la producción de la pieza de danza Indala premiada como mejor creación coreográfica en dos certámenes. Es entonces cuando David decide embarcarse en la producción y dirección de la obra Neanderthal que ha sido estrenada con gran éxito en septiembre de 2019 en el Centro Cultural Paco Rabal de Madrid y recibiendo el PREMIO FETEN 2020 MEJOR ESPECTÁCULO DE NOCHE en Gijón.
SINOPSIS
Neanderthal es la epopeya humana. Es nuestro primo (no tan) lejano levantándose antes que el Sapiens. Es el baile de los chamanes. Es la manipulación de la conciencia colectiva. Es el ayer y el hoy. Es danza, música en directo, teatro y videoarte al servicio de la belleza. Sentir la esencia del ser humano primitivo en el ser humano de hoy. Neanderthal podría ser como aquel disco de oro que portan las sondas Voyager lanzadas en 1977, aquel disco con grabados y sonidos de la tierra que fue lanzado al espacio con la esperanza de que otra civilización las encuentre y nos encuentre. Mapas, dibujos, sonidos, músicas del mundo, discursos del presidente Jim Carter… Pero quizás esa civilización que lo encuentre seamos nosotros mismos dentro de cuarenta mil años.
¿Cómo nos verá la civilización que nos suceda?
"Ojo de buey" - Proyecto Larrua
Coreografía: Jordi Vilaseca
Intérpretes: Helena Wilhelmsson, Jordi Vilaseca y Aritz López
Diseño de Luces: David Alcorta
Vestuario: Proyecto Lurra
Musica Original: Bach
Espacio Sonoro: Aritz López
Fotografías: Maider Jimenez, Estudio Linonda
Coproducción: Departamento de Cultura del Gobierno Vasco y Red municipal de teatros de Vitoria-Gasteiz
CURRICULUM
Proyecto Larrua es una compañía de Danza Contemporánea dirigida por Jordi Vilaseca y Aritz López con base en Vitoria-Gasteiz.
Coreográfica y Dramaturgicamente, la compañía tiene una visión personal sobre como aunar la fisicalidad y la emoción y de como escenificarla, utilizando elementos del imaginario común del espectador y contemporanizarlo.
El repertorio de la compañía abarca diferentes especialidades:
– Para espacios urbanos y no convencionales la pieza Larrua, (Premio Compañía emergente en Umore Azoka 2016), Ozkol e Idi-Begi (Premiada en el festival MasDanza).
– Para Teatros la producción Baserri (Candidata a 3 Premios Max), Otsoa (Candidata a 1 Premio Max) y la recién estrenada Ojo de Buey.
Larrua no quiere funcionar solo coreográficamente sino que quiere abordar campos como la formación. Fruto de esto es su programa LarruaLab, un seminario de danza contemporánea en Vitoria y el Virtual-Lab, un magazine creado durante el confinamiento.
La mediación es otro de los campos importantes por los que la compañía apuesta. Por eso la compañía cuenta con un programa de audiencias con el cual trabajan mano a mano con los teatros para generar público y acercar danza.
Este Proyecto de Danza quiere abrir futuras colaboraciones con artistas locales, nacionales e internacionales, diferentes instituciones, residencias artística...
SINOPSIS
Inspirado en las pruebas de arrastre de bueyes conocidas como IDI-PROBAK en Euskal Herria, recreamos el vinculo entre el animal y el humano, su fisicalidad, la jerarquía y su lenguaje en la plaza. Todo a través de la mirada del animal.
Un trabajo que pretende reflexionar de manera crítica sobre la realidad de dichas pruebas de arrastre, desde la mirada, desde el ojo del buey protagonista de las pruebas, de ahí su nombre, Ojo de buey. A través de tres bailarines en escena la obra reflexiona sobre la no presencia de la mujer en estos espacios, o la dudosa moralidad de este tipo de deportes, recreando a su vez el peso, la emoción, la carga y la dureza de este tipo de deportes.
"Órbita" - Zen del Sur
Intérpretes: Carlos López Aragón (Danza, acrobacia, rueda cyr, piano y percusión), Noemí Pareja Muñoz (Danza, boleadoras, guitarra y percusión)
Técnico y diseño de iluminación: Almudena Oneto
Técnico y diseño sonoro: Oscar Vizcaíno
Escenografía: Carlos Monzón y Antonio García (construcción de cajones flamencos)
Vestuario: Laura León y Carmen Muñoz
Composición Músical: Noemí Pareja y Carlos López
Coreografía: Carlos López y Noemí Pareja
Producción: Zen del Sur
Dirección: Carlos López
Asistencia en dirección: Noemí Pareja
Mirda Externa: Rob Tanion
Colaboraciones: Karen Lugo y Francisco Vidosa
CURRICULUM
Zen del Sur nace de la unión de dos artistas procedentes del ámbito circense y de la danza, Carlos López y Antonio Vargas. Ambos decidieron unificar sus trayectorias personales y desarrollar una propuesta artística que integrara la fusión de diferentes artes como la Danza Acrobática, la Música y el Circo.
La Compañía está comprometida con una forma de aprendizaje donde la improvisación y la exploración de nuevos lenguajes son cruciales a lo largo de todo su proceso creativo. Destaca el carácter polifacético de sus artistas y sus capacidades para generar expectación y transmitir una sensibilidad especial en escena a través del control y la expresividad corporal fusionada con la música.
SINOPSIS
Trayectoria que describe un objeto físico alrededor de otro, bajo la influencia de una fuerza central.
Órbita es pura poesía en movimiento y representa metafóricamente la relación que se establece entre estos dos artistas que comparten una misma esencia y la influencia de una huella imborrable, Cádiz, el mar y el arte flamenco.
Una obra cargada de fuerza y sensibilidad en el que se puede apreciar un verdadero mestizaje artístico y una visión integradora del arte y los diferentes lenguajes escénicos que la componen.
"Tempus fugit" - LaMov
BAILARINES-AS: Mattia Furlan, Elena Gil, Paula Rodríguez, David Serrano, Alain Rivero, Imanol López, Jimena Martínez, Paula Aragón.
DIRECCIÓN Y COREOGRAFÍA: Víctor Jiménez
SINOPSIS
Partir, recolocarse, crecer, añorar, creer. Palpitar. Golpear. Pasado, futuro, ahora. Invierno, primavera. Amar, olvidar. Buscar, desear. Ayer, noche, día, mañana, ahora... nada. Ansiedad, prisa, avanzar. Pausa, presente, fugacidad. Hablar, correr. Dolor, ira. Dolor. Emoción, asombro, espanto, cambio, ilusión. Evolución. Ir, llegar. Belleza, amor, risas. Cenizas. Nada.
La obra es un viaje frenético, apasionante y hasta doloroso, representa el paso de la vida y lo que dejamos en ella a nuestro paso.
Tempus fugit es belleza, es amor, es dolor, es risa, es ceniza.
"The Big Game 5.0" - Lôkke | Olatz de Andrés
Dirección: Olatz de Andrés
Asistente de dirección: Robert Jackson
Intérpretes: Pilar Andrés, Aiala Etxegarai, Natalia G. Muro, Isabel Álvarez e Iñigo Rementeria
Iluminación: Octavio Más
Sonido: Marc Cano
Vestuario: Xabier Mujika
Producción: Vanesa Fuentes
Vídeo: Beñat Fontaneda
Fotografia: Gorka Bravo
Distribución: Lokke
SINOPSIS
The Big Game 5.0 version adaptada con 5 intérpretes es un desarrollo del proyecto, artistico y pegagógicocomunitario, original The Big Game. El proyecto original invita a 28 participantes cada vez que se realiza a bailar con la compañía para convertir la escena en un tablero de ajedrez y dar vida a La Inmortal, una partida jugada en Londres (1851) conocida por su belleza, creando de un ajedrez viviente coreográfico.
Debido a la situación sanitaria actual y a la imposibilidad de trabajar con grupos grandes, hemos creado una versión que no cuenta con participantes locales en escena y es interpretada por 5 bailarines/as.
Esta version se basa en los materiales originales y al mismo tiempo introduce un nuevo elemento que hace el papel de Joker: el espíritu del ajedrez oculta su cuerpo bajo la textura del tablero y acaba introduciéndose en el tablero para convertirse en el juego mismo, así como, el rey perdedor de la partida que es atacado y absorbido por sus propias piezas. Las intérpretes juegan a viajar entre diferentes roles o piezas: una reina, un alfil, un caballo, un peon, dos bandos opuestos, para acabar mezclándose en una masa final que nos muestra que al margen de posición, identidad o ideología al final todos somos lo mismo, cuerpos.
Taller The Big Game
Sin olvidar la dimensión pedagógica que ha tenido la version original, esta version sigue incluyendo como actividad paralela la realización de un taller más breve, basado en el proyecto original, de 3 días 3 horas cada día, impartido por dos miembros de la compañía. Este taller es adaptable a las necesidades del teatro.
El mundo del ajedrez es infinito y la analogía entre tablero y escena abre muchas posibilidades coreográficas. Proponemos compartir con los/as participantes todo el imaginario artístico y materiales físicos de la pieza. De manera puedan vivirla desde dentro cuando vengan a verla al teatro.
Agenda y noticias
Agenda
Danza
AZKOITIA DANTZARI 2024
- [Azkoitia]
- 11:00
- 24 de Noviembre 2024
Danza
"Txalaparta"
- Compañía de Danza Kukai
- Itsas Etxea Auditoriuma [Hondarribia]
- 19:00
- 24 de Noviembre 2024
Danza
"ALICE"
- Teatro Arriaga [Bilbao]
- Del 26 de Noviembre 2024 al 1 de Diciembre 2024
Danza
"Distirak"
- Dantzaz Konpainia
- Teatro Gayarre [Pamplona/Iruña]
- 20:00
- 27 de Noviembre 2024
Danza
"Iraun" + "Nondik abiatu inora"
- Centro Cultural Niessen [Errenteria]
- 19:00
- 28 de Noviembre 2024
Noticias
22/11/2024
21/11/2024
20/11/2024
La XIX edición de Feministaldia impregnará Tabakalera de cultura feminista a finales de noviembre
20/11/2024
20/11/2024
